«Мистецтво Слобожанщины»: международный арт-проект "ОКНА"

Художники из США, Франции, Швеции и Украины решили объединиться на выставке в Харькове. Их международный проект под названием «Окна» стартует 27 августа 2013 года в галерее «Мистецтво Слобожанщины» центра культуры и искусства. Их имена сегодня широко известны в мире: Лара Симонова, Евгения Миро, Евгений Сегал, Константин Колобов, Игорь Ильинский, Дмитрий Даниш, Влад Милявский. Они работают в разных направлениях и жанрах. Но у них общая арт-школа.

30 лет назад все они, талантливые девчонки и мальчишки, поступили в Харьковское художественное училище. Их объединяла не только одна художественная школа, но и крепкая дружба, какая бывает только в юности, и ей, казалось, не будет конца. Но взрослая жизнь разбросала.  Кто-то остался в Украине, кто-то уехал заграницу. Все они состоялись как художники, люди творчества. Сегодня они живут и работают в разных точках мира, экспериментируют в разных техниках и направлениях.
«После многих лет мы нашли друг друга в социальных сетях, и создали группу, которую назвали «Могучая кучка: 30 лет спустя», - рассказывает один из инициаторов этого проекта гражданин США Владислав Милявский. – И сразу же появилась идея создать совместный выставочный проект «Окна». Такое название родилось из-за того, что ведь мы все из одной арт-школы, и по стечению обстоятельств и времени оказались в разных точках земного шара. И сам факт, что через 30 лет мы собираемся вместе, дает возможность наглядно показать, насколько меняется наше художественное восприятие в разрезе времени и географии... На этой выставке будут представлены картины-окна в разные миры, в которые зрители смогут заглянуть. Это другие миры как в смысле образа жизни, пейзажей, архитектуры, так и внутренние миры, на которые повлияли, в том числе, и те обстоятельства, в которых каждый из нас оказался».

А миры, действительно, уникальные, неповторимые, утонченные. Лара Симонова сейчас живет в Швеции, но ее живопись проникнута дыханием Средиземноморья и одновременно театральной камерностью «малых голландцев» - художников 17-го века, мастеров бытового, пейзажного жанра и натюрморта, ярко выразивших своеобразие национальной живописи того периода. Художница тяготеет к постимпрессионизму. Грациозные линии в картинах Лары напоминают виноградные лозы, орнаментальные мотивы и экзотические символы персидских, индийских ковров и керамики. На ее полотнах женщины часто одеты в ренессансные одежды. Они смотрят на нас, загадочно улыбаясь, застыв в середине движения, как если бы обернулись к нам, театрально замерев. Театральная тематика получила необычное продолжение в творчестве Лары Симоновой. Как-то ей предложили в качестве дизайнера сделать художественную коллекцию аксессуаров для Королевского театра в Дротнингхолме, посвященную основателю театра королю Густаву ІІІ, человеку творческому, который и сам не гнушался писать пьесы и даже оперу. Это уникальное здание постройки 18-го века внесено в список ЮНЕСКО «Всемирное наследие» как образец идеально сохранившегося шедевра архитектуры, где всё – от мебели, ковров и часов до обоев, фресок и лепки,  хранит дух того времени, когда из северных гаваней суда отплывали в экзотические страны в поисках дорогих тканей, фарфора и других товаров, которых жаждала прожорливая элита европейских монархий. Чтобы глубже почувствовать все нюансы переплетения вкусов и веяний в искусстве той эпохи, для создания своей коллекции Лара серьезно изучала историю костюмов Османской империи 15-19-го веков, и даже ездила с этой целью в Стамбул. Ведь Османская империя, простиравшаяся на три континента, представляла собой своеобразное мощное культурное пространство. В результате вышла уникальная коллекция стильных шарфов, запонок, галстуков, брошей, брелоков и так далее: каждый экспонат – настоящее произведение искусства. Один из них, оранжевый платок, был преподнесен в дар присутствовавшей на презентации коллекции королеве Швеции Сильвии. 

Еще одну участницу проекта Евгению Миро называют самым известным русским дизайнером современности. После Харьковского училища она училась в Санкт-Петербургской Академии Художеств, затем в Англии в Fashion Shool Девида Джонса, при участии которого был реализован ее первый самостоятельный проект «Время» (элементы часового механизма – одна из излюбленных ее тем). Евгения работала в разных техниках. Ее графика, панно, витражи, мозаики, росписи по фарфору и шелку, папье-маше выставлялись в России, Англии, Франции, Германии, Швеции, США. Ею создано около 300 коллекций, как авторских, так и совместных, с такими брендами, как Herm?s, Pierre Frey, Emaux de Longwy, Beauvill?,J.Seignolles, Provasi. Она создавала театральные декорации (в том числе для Мариинского театра и Большого Симфонического Оркестра им. Чайковского), дизайн для Домов Мод, для fashion дизайнеров, магазинов, для всех видов аксессуаров и тканей, стилистику дизайна для интерьеров. Первый русский художник Дома Herm?s Евгения Миро при создании платков, текстиля, посуды, браслетов, детских игрушек стремилась передать всю глубину символизма обрядов русской культуры. Более чем в 60-ти декорах для Дома Herm?s она впервые открыла миру уникальные русские народные игрушки, отразила захватывающее вдохновение Дягилевских балетных сезонов, показала магнетизм красочной палитры и стремительную графику русского конструктивизма. Родная Украина стала для нее неисчерпаемым источником любви к цвету, декоративности, ритму и пластике – всего того, что делает ее работы узнаваемыми и уникальными с художественной точки зрения. Ее узоры можно рассматривать часами, находя все новые детали, смыслы. Символизм – еще одна узнаваемая черта художницы. Символика как зашифрованная система знаков притягивает современного человека, и он надеется раскрыть мудрость древнего символа, использовать его как талисман защиты дома, как нечто, что приносит удачу, как залог любви, счастья, мудрости, силы, что находит отражение в солнечных знаках. Сейчас дизайнер работает с ведущими брендами Франции и Италии, ее дизайны продаются во всех странах мира.

Дмитрий Даниш сегодня живет в Америке. Он – представитель реалистической школы живописи. Работает преимущественно в жанре городского пейзажа. После худучилища окончил факультет интерьер-дизайна Харьковского художественно-промышленного института (сейчас – госакадемия дизайна и искусств). Самостоятельную творческую деятельность ведет с 1990 года. Первая персональная выставка была в 1997 году в галерее «Вернисаж» в г. Харькове. В 1990-х годах участвовал во многочисленных групповых выставках в Украине, России, Германии и США. С 2003 года активно работает с галереями Соединенных Штатов Америки. Его картины находятся в собраниях Харьковского художественного музея, Харьковской муниципальной художественной галереи, в Музее Русского Искусства в Джерси Сити (The Museum of Russian Art , Jersey City) и в частных коллекциях Украины, России, Европы, США и Канады.
Многие картины Константина Колобова сами по себе напоминают окна: множественность миров и их трактовок автор буквально показывает в повторах своих композиций и различных абстрактно-колористических вариантах на одном полотне, сохраняя один и тот же предметно узнаваемый образ. Его живопись отличается яркостью палитры, декоративностью, некоторой иронией. А вот в технике к абстракционизму примешиваются элементы постмодернизма. Здесь угадываются реалистические образы, но они, скорее, стилизованы. Это экспрессивное видение реальности. Даже в передаче ностальгических, откровенно негативных или бытовых вещей автор показывает свое позитивное мироощущение. В его изображениях можно прочитать, как формировалась личность самого живописца, его воспоминания, наблюдения, философские размышления об устройстве этого сверхсложного хаотического мира, о его призрачности. Размытость красок в его картинах усиливает подлинность загадочного и невероятность обыденного. Как только подсознательное обретает предметную форму, оно сразу же искажается. В работах Константина Колобова, как и в работах многих абстракционистов, разум исключается из процесса восприятия. Он как истинный создатель не старается шифровать универсальность мира в узнаваемых предметах, а напрямую транслирует свою версию истины для души зрителя. Небрежно прорисованные поверх абстрактных композиций осколки реальности в виде петушка на палочке или медведя из детской игрушки предоставляют зрителю возможность компоновать свое мировосприятие и оставляют множественное поле интерпретаций. Цвет, композиция и живописная форма должны иметь абстрактное выражение, чтобы наиболее полно раскрывать внутреннее звучание и, таким образом, решить главную задачу: обогатить душу, расширить и углубить ее мир, передать переживания и эмоции. Кто-то из искусствоведов сравнивает его художественные идеи с Энди Уорхолом, кто-то настаивает на самобытности харьковского живописца, который также с успехом выставлялся в России, США, Германии, Великобритании.

Диапазон Евгения Сегала – от реализма до абстракции, а порой и то, и другое сплетается на его картинах. Его все время тянет сменить стиль, тему, вообще попробовать что-то новое. Он постоянно экспериментирует. Его работы – это попытка понять внутреннюю сущность вещей, передать личные переживания, эмоции. Постепенно цвет в его композициях начинает главенствовать, в них появляются яркий колорит и впечатляющее сюжетное решение. Абстрактный язык дает возможность Евгению экспериментировать с цветом, фактурой, исследовать и тасовать смысловые варианты. Он атакует цветом, играет со светом, он не сдерживает чувств, поражает нас силой своей экспрессии. Эти работы наполнены мистическим воображением, отрывками из сновидений. Компоненты реального сплетаются в абстрактные мазки, рождая в выстроенном художником пространстве то вспышку образа, определенное состояние души.

Игоря Ильинского называют харьковским или украинским импрессионистом. Его реалистические сюжеты словно выплывают то ли из других эпох, то ли из каких-то внутренних миров, погружая зрителя в определенную атмосферу. Главное в его картинах – это передача настроения. Будь-то хандра в дождливую погоду, которую испытывает житель европейского городка, или благостное расположение духа во время вечерней прогулки по харьковским улочкам. Глядя на его ретро-сюжеты, чувства проникают в самую душу, перебрасывая, словно в машине времени, в позапрошлое столетие. В 1995 году он сделал серию работ в стиле кино к 100-летию Люмьер, с которыми художника пригласили на выставку в Париж. С тех пор его картины, на которых изображены люди, кафе, музыканты, городские пейзажи, по достоинству оценили на многих выставочных площадках в Украине, Франции, Германии, России, Эстонии, Финляндии.    

Владислав Милявский занимается дизайном и travel-фотографией. Он – один из основателей музыкального независимого лейбла в Нью-Йорке (продюсерство и издание дисков мировой роковой и психоделической музыки), известного в Европе и США как «Trail Records». Технику своих работ как фотохудожник он условно определяет как фото-графика. Свои впечатления от разных стран он передает в моменты затишья: то ли это безлюдные места такого мегаполиса как Нью-Йорк, то ли тишина после большого шторма, прислушиваясь к которой, приходит ощущение познания чего-то важного. Этому способствует и техника, в которой выполнены фотографии. Скорее, это фото-картины – невольно вглядываешься: это акварель? Владислав признается: перед тем, как нажать на кнопку фотоаппарата, у него подсознательно срабатывает взгляд художника, и он снимает так, как бы он нарисовал это как график. Плюс – определенный вид германской бумаги, создающей эффект акварели. Особым помощником в своих графических фотохудожествах Влад считает туман, он дает эффект размытия заднего плана. Как дизайнеру ему нравится минимализм, поэтому подсознательно он отсекает лишнее, оставляя главное. Туман закрывает все лишние вещи, остается передний план, который как бы сливается с задним, это дает простор, глубину. В этом есть какая-то загадка. Немало в его работах и символизма. К примеру, одной из знаковых своих работ Влад считает изображение дома без окон и дверей: это место, куда могут зайти все, как в храм, это символ свободы. Свою первую персональную выставку Влад Милявский сознательно сделал именно в Харькове в прошлом году. И вот теперь он участвует в новом проекте - в городе детства и юности. 


ArtExpoUA